디즈니 애니메이션 <아리스토캣(The AristoCats, 1970)>을 어릴 때 봤다가
어른이 되어 다시 틀었더니, 완전히 다른 영화처럼 느껴졌습니다. 귀여운
고양이들의 모험이라고만 기억하고 있었는데, 실제로는 계급 충돌, 상속 제도의
허점, 그리고 오늘날 디즈니 플러스에서 아동 시청을 제한하게 만든 인종차별
논란까지 담고 있는 작품이었습니다. 흥행 수익, 캐릭터 분석, 논란의 실체까지
제가 직접 파헤쳐봤습니다.
제작 배경과 흥행: 월트 디즈니의 마지막 기획
<아리스토캣>은 1970년 개봉한 디즈니 장편 애니메이션으로, 제작비 400만
달러에 전 세계 흥행 수익 5,570만 달러를 기록한 상업적 성공작입니다. 숫자로만
보면 단순한 흥행작이지만, 이 영화가 애니메이션 역사에서 특별한 위치를 차지하는
이유가 따로 있습니다. 바로 월트 디즈니가 사망(1966년) 하기 전 마지막으로 직접
기획에 참여한 작품이라는 점입니다. 그가 세상을 떠난 뒤 남겨진 제작진이 그의
방향성을 이어받아 완성했기 때문에, 이 영화는 고전 디즈니의 감성이 담긴 마지막
작품이자 새 시대의 첫 작품이라는 이중적 의미를 갖습니다.
원작은 토머스 로퍼가 쓴 이야기로, 배경은 1910년대 파리, 정확히는 벨
에포크(Belle Époque) 시대의 끝자락입니다. 벨 에포크란 19세기말부터
제1차 세계대전 직전까지 프랑스가 누렸던 문화적·경제적 황금기를
가리킵니다. 오페라, 인상주의 미술, 카바레 문화가 동시에 꽃피던 시절이었지만,
동시에 빈부격차도 극심했던 시기이기도 합니다. 영화는 이 시대를 배경으로
하면서, 고양이라는 장치를 통해 계급 간의 충돌을 자연스럽게 은유합니다.
'아리스토캣(AristoCats)'이라는 제목 자체가 이미 하나의 언어유희입니다. 귀족을
뜻하는 'Aristocrat'에서 'r'을 빼고 'Cat'을 끼워 넣은 것으로, 오프닝 장면에서
아기 고양이가 직접 'r' 한 글자를 지워버리는 장면으로 이를 시각화합니다. 단순한
말장난 같지만, 이 영화가 '귀족의 이야기'를 '고양이의 이야기'로 치환하고 있다는
걸 첫 장면부터 선언하는 연출입니다.
애니메이션 기법 면에서 이 작품은 1970년대 디즈니 특유의 거친 연필선이 살아있는
스타일로 그려졌습니다. 이후 <인어공주(1989)>로 시작되는 디즈니
르네상스와는 확연히 다른 질감으로, 배경의 파리 거리나 재즈 연주 장면에서 선의
흔들림이 오히려 따뜻하고 아날로그적인 분위기를 만들어냅니다. 저는 이 시기
디즈니의 작화를 보면 CG 이전 시대의 손맛이라는 것이 느껴져서 지금도
좋아합니다.
계급 충돌과 캐릭터: 더치스, 오말리, 에드가의 삼각 구도
이 영화의 핵심 갈등은 세 인물의 충돌에서 만들어집니다.
더치스는 파리 상류층 저택에서 사는 우아한 백색 고양이입니다. 클래식 음악을
즐기고, 아이들에게 그림과 음악을 가르치며, 매너와 품위를 삶의 기준으로
삼습니다. 그녀가 갑자기 시골 한복판에 버려졌을 때 느끼는 당혹감은, 단순히 길을
잃은 것이 아니라 자신이 알던 세계 전체가 사라진 것 같은 충격입니다. 저는
더치스를 보면서, 특정 환경 안에서만 통하는 규칙을 삶의 전부로 알고 있다가 그
환경이 사라졌을 때 무너지는 사람들이 떠올랐습니다.
토머스 오말리는 그 반대편에 있는 캐릭터입니다. 정해진 집도, 주인도 없지만 파리
골목 어디서든 살아남을 수 있는 자유로운 길고양이입니다. 그는 규칙보다 본능을,
품위보다 진심을 앞세웁니다. 클래식 음악회에 재즈 밴드가 난입한 것처럼 어색한
두 고양이의 첫 만남은, 그러나 서로가 가진 것을 채워주는 방향으로 발전합니다.
오말리는 더치스에게 세상을 버티는 법을 알려주고, 더치스는 오말리에게 돌아갈
곳이 있다는 것의 의미를 알게 해 줍니다.
에드가는 이 영화에서 가장 흥미로운 캐릭터입니다. 그는 프롤로처럼 이념을 가진
악당도, 우르술라처럼 탐욕스러운 마녀도 아닙니다. 수십 년간 아델라이드 부인을
성실하게 섬긴 집사였고, 고양이들도 나름 아꼈습니다. 그러나 부인이 전 재산을
고양이들에게 물려주고 그들이 모두 죽은 후에야 자신에게 상속하겠다는 유언을
듣는 순간 계산기를 두드리기 시작합니다.
그 계산이 웃기면서도 씁쓸합니다. 고양이 수명 12년에 목숨 9개를 곱해 108년,
여기에 고양이 4마리를 순서대로 곱하면 432년이라는 황당한 결론을 냅니다. 이
계산이 완전히 틀렸음에도 에드가가 진지하게 고뇌하는 장면은 개그이지만, 동시에
오랜 충성이 단 하나의 오해로 무너지는 씁쓸함을 담고 있습니다.
법적으로 보면, 실제로 동물은 재산권의 주체가 될 수 없습니다. 한국에서도
동물에게 직접 재산을 상속하는 것은 불가능하며, 동물을 돌보는 조건으로 사람에게
재산을 맡기는 방식이 법적으로 가능한 우회로입니다. 영화 속 아델라이드의 유언도
사실상 같은 구조였을 텐데, 영화 말미에 변호사와 아델라이드가 "에드가가 유언장
뒷내용을 알았다면 이런 일은 없었을 것"이라고 말하는 장면이 이 아이러니를
정확히 짚어줍니다.
결국 에드가는 암말의 뒷발차기, 생쥐 로크포트의 자물쇠 따기, 뒷골목 고양이 연합
작전에 의해 팀북투행 화물 상자에 갇혀 추방됩니다. 근본적으로 나쁜 사람이
아니었기에, 마냥 통쾌하지만은 않은 결말입니다.
인종차별 논란: 슌 곤과 디즈니의 시대적 한계
<아리스토캣>을 이야기할 때 반드시 짚어야 할 부분이 있습니다. 바로 중반부
재즈 밴드 장면에 등장하는 '중국 고양이 슌 곤(Shun Gon)'의 묘사입니다.
슌 곤은 젓가락으로 피아노를 치고, 덧니를 드러내며, "상하이, 홍콩, 포춘 쿠키"
같은 단어를 섞은 어색한 영어를 사용합니다. 전형적인 아시아인
스테레오타입(Stereotype), 즉 특정 집단에 대한 단순화되고 고정된 이미지를
그대로 재현한 캐릭터입니다. 어릴 때 이 장면을 보면서 그냥 웃긴 캐릭터라고만
생각했는데, 성인이 되어 다시 보니 1970년대 할리우드가 아시아인을 어떤 시선으로
소비했는지 적나라하게 드러나는 장면이었습니다.
이 논란은 가볍지 않습니다. 디즈니는 2021년부터 디즈니 플러스에서 이 작품에
인종차별적 묘사에 대한 경고문을 삽입하고, 7세 미만 아동의 단독 시청을 제한하는
조치를 취했습니다. <아리스토캣>과 함께 <피터팬>, <덤보>,
<레이디와 트램프> 등도 같은 이유로 제한 목록에 포함됐습니다.
<레이디와 트램프>의 샴 고양이 캐릭터 '사이'와 '엠' 역시 비슷한 아시아
스테레오타입 논란을 일으켰던 전례가 있습니다.
흥미로운 건, 이 영화가 개봉 당시에는 전혀 논란 없이 5,500만 달러 이상의 흥행을
기록했다는 점입니다. 당시 관객들에게 슌 곤의 묘사는 문제로 인식되지
않았습니다. 이는 사회적 감수성이 시대에 따라 어떻게 변화하는지 보여주는
사례이기도 하고, 동시에 '그 시대에 괜찮았으니 지금도 괜찮다'는 논리가 왜
성립하지 않는지를 보여주는 사례이기도 합니다.
그럼에도 불구하고 이 영화는 폐기되어야 할 작품이 아니라, 시대적 맥락과 함께
비판적으로 읽혀야 할 작품입니다. 오말리의 재즈 밴드 아지트는 국적도 품종도
다른 고양이들이 음악 하나로 어울리는 공간으로 설정되어 있습니다. 혈통보다 진심
어린 연대가 중요하다는 메시지를 담으려다가, 정작 그 연대의 자리에서 한
캐릭터를 스테레오타입으로 소비한 모순이 이 영화 안에 공존합니다.
영화 마지막 장면, 아델라이드가 집 없는 고양이들을 위한 재단을 설립하고 저택을
개방하면서 귀족 고양이, 길고양이, 생쥐까지 모두 한 공간에서 재즈를 즐기는
장면은 이상적인 공동체의 모습을 담고 있습니다. 인생이라는 무대에서 길을
잃더라도 함께 리듬을 맞춰줄 동료가 있다면, 그 여정은 하나의 근사한 재즈 공연이
될 수 있다는 것. 그 메시지만큼은 50년이 지난 지금도 유효합니다. 다만 그것을
받아들이면서, 동시에 이 영화가 품고 있는 시대적 한계도 함께 기억하는 것이 지금
이 영화를 다시 보는 올바른 방식이라고 생각합니다.
